Il n’y a pas une tonne de films de guerre sur Netflix, mais cela ne veut pas dire que le service de streaming n’en a pas d’excellents disponibles. Il n’y a pas de catégorie « War Movie », donc nous avons fouillé dans leur catalogue pour trouver des classiques, des perles rares, un documentaire et même l’un des meilleurs originaux de Netflix à ce jour. Nous avons élargi la définition de notre liste des meilleurs films de guerre de tous les temps, mais nous avons limité la sélection aux films sur des guerres réelles (pas de Star Wars ou autres conflits imaginaires).
Voici les 10 meilleurs films de guerre sur Netflix :
10. Railroad Tigers
Année : 2017
Directeur : Ding Sheng
Railroad Tigers est un film d’aventure à l’ancienne, moyennement campant, quelque chose que les réalisateurs américains se sont concentrés à faire dans les années 90 (pensez à Jumanji en 1995), mais le public est aujourd’hui relégué au rang de nostalgie. Le dispositif d’encadrement d’un enfant découvrant une relique du passé, et donc transporté dans un voyage fantastique, fait allusion à un dispositif de narration jadis aimé des Spielberg et des Lucases du monde du cinéma, combinant la réalisation de films et la consommation de séries du samedi matin (et de céréales) avec les budgets les plus importants que ces enfants adultes pouvaient obtenir. Dans le cas des Tigres de chemin de fer, l’enfant obligatoire n’apparaît qu’au début et à la fin du film, « voyant » tout se passer à travers une locomotive magique dans un musée, liant par hasard le présent à un passé héroïque. Comme dans un film d’Indiana Jones, pour les Railroad Tigers, la nostalgie et la modernité s’affrontent alors que les années 40 de la guerre sont siphonnées dans un genre amusant. Cette fable moderne commence par une propagande art déco hyper stylisée – comme une séquence de crédit de machines et d’industrie – les lignes fortes de l’accent et les graphismes voyants reflètent l’action à venir, présentant les balles comme de plus grandes stars que les noms des acteurs et des équipes qu’elles submergent. Ce style réapparaît dans une phase de planification animée ultérieure pour le point culminant du complot principal : la destruction d’un pont de ravitaillement reliant les troupes japonaises à travers un ravin chinois. Le film, qui se déroule par étapes, se concentre sur des dizaines de personnages chinois dans leur lutte contre les occupants japonais pendant l’occupation de la Chine orientale par les chemins de fer en 1941, de Tianjin à Nanjing. Pendant tout ce temps, Ma Yuan, le chef des cols bleus sorcier de Jackie Chan, commande un groupe hétéroclite de rebelles appelés les Tigres de chemin de fer, que leurs antagonistes japonais appellent les » hicks « . Les acteurs embrassent cette désignation avec un esprit et un humour terreux, laissant la comédie physique, les acrobaties, les cordes et la mauvaise direction de l’équipe de tags jouer d’un talent que Chan et ses costars possèdent pour des expressions faciales pensives et des surprises ludiques. Leurs plans constamment à l’envers ont la cadence d’un film des frères Coen ou la légèreté d’une chute sèche pour miner les aspects les plus sérieusement planifiés d’un hold-up à la Ocean’s-like. Les défauts du film, y compris une pléthore de stéréotypes féminins – la matriarche (Xu Fan, un chef crêpier), le garçon manqué inutile tagalong (Zhang Yishang), le méchant froid qui est terrifiant car comment une femme pourrait-elle atteindre un tel rang militaire (Zhang Lanxin) – et les japonais largement représentés, ne touchent les Tigres du chemin de fer que lorsque le mouvement s’est ralenti.
9. War Machine
Année : 2014
Directeur : David Michôd
Regarder War Machine, c’est assister à un film qui applique un ton comique sombre et accessible au fruit à la portée de la main de la futilité de l’édification d’une nation en Afghanistan. Le film se déroule en 2009, lorsque le général Glen McMahon (Brad Pitt dans une version du général Stanley McChrystal) – après avoir connu de nouveaux succès en Irak – est chargé de la coalition multinationale dirigée par les États-Unis pour éliminer les talibans et faire de l’Afghanistan un pays digne des démocraties occidentales, ce que McMahon décrit comme étant des emplois et une sécurité. Notre introduction à McMahon se fait par l’intermédiaire d’un narrateur, Sean Cullen (Scoot McNairy), qui est basé sur feu Michael Hastings. C’est l’article d’Hastings dans Rolling Stone qui a mené à l’éviction de McChrystal, et c’est Hastings qui a écrit The Operators, dont ce film est tiré. Sa narration donne le ton sardonique, et chaque caractérisation et chaque situation qui suit le renforce. Le problème avec War Machine est sa difficulté à garder son ton cohérent au service d’une histoire captivante ou d’un rendu dramatique d’idées. Cullen-as-narrateur laisse par hasard tomber que McMahon était un étudiant de premier cycle de Yale, tout en le caractérisant comme un athlète bien intentionné hors de sa profondeur. La façon dont Pitt le joue et Cullen le décrit, McMahon est un jarhead décent et discipliné qui essaie de marteler une cheville carrée dans un trou rond. Si vous étiez déjà enclin à considérer notre engagement en Afghanistan comme un désastre incompétent, War Machine pourrait être votre film : Ceux qui sont chargés de transformer la région ne peuvent même pas faire fonctionner un rasoir électrique ou un lecteur Blu-ray. Mais en nous rappelant fréquemment que McMahon est inconscient de ce que ses maîtres veulent vraiment, le film de Michôd est autant un instrument brut et simple que celui qu’il tente de lamper, laissant essentiellement à Washington le soin d’établir le crochet.
8. A War
Année : 2016
Directeur : Tobias Lindholm
Tobias Lindholm et le directeur de la photographie Magnus Nordenhof Jønck tournent A War avec une clarté sans fioriture et exigeante, traitant les montagnes pittoresques de l’Afghanistan et les contours urbains du Danemark avec le même regard dur et pratiquement clinique. Le dilemme moral au centre du film n’est pas forcément celui d’un commandant danois original, Claus Pedersen (Pilou Asbæk), qui doit se présenter devant le tribunal en une fraction de seconde pour une décision prise lors d’une fusillade au cours de laquelle ses actions ont sauvé un camarade sans le savoir et entraîné un certain nombre de victimes civiles – mais Lindholm prend apparemment du temps pour y arriver, permettant au public de s’immerger dans le fardeau de la position du Pedersen : servant de père ersatz pour son unité tout en sachant, intuitivement, que sa famille a désespérément besoin de lui à la maison. Rien à la maison ne se passe avec une aplomb débordante d’action (bien que le réalisateur installe des harengs rouges tendus pour attirer le public dans un sentiment de malaise), et pourtant les enjeux sont douloureusement réels. Pedersen a fait la seule chose qu’il savait faire, mais en sauvant son unité, il a peut-être sacrifié le bien-être de sa famille.
7. Black Hawk Down
Année : 2001
Directeur : Ridley Scott
Plus qu’un simple riff sur la séquence Ride of the Valkyries d’Apocalypse Now, il semble stylistiquement approprié que Jimi Hendrix fasse la bande son de l’approche de Mogadiscio par les hélicoptères d’attaque de Black Hawk Down : lorsque le film de Ridley Scott atteint le Mog’, c’est presque psychédélique, une gamme chaotique de couleurs et de sons comme les troupes somaliennes et un casting de stars de Hollywood le font dans les flammes de soleil. Basé sur l’histoire vraie d’une escalade d’une fusillade – celle qui s’est produite lorsque le plan américain de capture du seigneur de guerre Mohamed Farrah Aidid en 1993 a mal tourné – Black Hawk Down permet à Scott de se concentrer en détail sur ce qui se passe lorsque la machine militaire moderne et froide de l’Ouest rencontre un ennemi étranger multitudineux sur son terrain. Ce n’est pas tout à fait un acte d’accusation ou une approbation de la guerre moderne, le Black Hawk est toujours grizzly et épuisant, une séquence d’action de près de deux heures qui témoigne de la punition qu’un corps humain peut subir, et de la mort et de la destruction qu’on peut semer avec la puissance de feu moderne.
6. The Civil War
Année : 1990
Directeur : Ken Burns
Vous ne pouvez pas connaître la Virginie sans connaître la guerre de Sécession, et le gigantesque documentaire de Ken Burns, au-delà du classique, vous remplira de détails à tel point que vous rêverez de chevrotines de mouton et de musique de violon pleurant pendant des semaines. C’est un film anti-guerre aussi bon que n’importe quel film qui a été fait, et vous quitterez La guerre civile submergés, stupéfaits, dévastés par la perte de tant de sang et d’innocence, à la fois glorieux de l’émancipation et des héros de la cause de l’Union. Burns a été critiqué pour avoir laissé trop de mythologie de la « Cause perdue » s’infiltrer dans le projet, mais même si vous voyez des hommes comme les Virginiens Robert E. Lee ou Stonewall Jackson comme des personnages moralement complexes et moralement compromis à la fin du dernier « épisode », Burns ne laisse aucune place à interprétation : La guerre a été menée pour l’esclavage, et le Sud a presque brûlé le pays pour assurer la survie de cette institution. En tant que Virginien, et surtout en tant que Virginien blanc issu d’une famille rurale, vous devez tenir compte de ces connaissances si vous voulez obtenir quelque chose de proche d’une vision honnête de vous-même et d’où vous venez. Je suis indescriptiblement amoureux de la Virginie et fier de mon pays d’origine de manière abstraite et arbitraire, mais je ne me débarrasse jamais des horreurs innommables – ou, comme nous le montre Burns, parlables – infligées par mon pays à des milliers de morts au nom, pour parler simplement, d’un mal absolu. C’est ce qu’être un Virginien, en fin de compte, c’est être confronté au pire du caractère américain, le regarder dans les yeux et essayer de le maîtriser pour le reste de votre vie intellectuelle. Je le prends, si ça veut dire que je pourrai toujours rentrer à la maison. La guerre de Sécession s’empare de ce sentiment et le répand dans tout le pays. Si nous ne pouvons pas regarder ce que nous avons fait, dit Burns, nous n’irons jamais de l’avant.
5. War Horse
Année : 2011
Directeur : Steven Spielberg
Seul un vrai visionnaire comme Steven Spielberg pourrait transformer une simple histoire de cheval en une œuvre cinématographique grandiose. Bien qu’il ne s’agisse pas du plus grand exploit du cinéaste acclamé, War Horse est une image poignante enveloppée chaleureusement dans l’humanité. Le film, malgré un décor complètement différent, évoque aussi des joyaux spielbergiens antérieurs tels que Close Encounters of the Third Kind et E.T. avec ses déductions rédemptrices. Adapté du roman pour enfants du même nom de Michael Morpurgo en 1982, War Horse raconte l’histoire d’un garçon, Edgar (Jeremy Irvine), et de son cheval chéri, Joey. De la genèse de leur relation dans la campagne anglaise à l’implication de Joey dans la Première Guerre mondiale, en passant par les espoirs de retrouvailles, le film capture le voyage du cheval et l’effet crucial qu’il a sur tous ceux que le cheval rencontre, particulièrement Edgar. De la même manière qu’il utilisait auparavant des extraterrestres, Spielberg utilise Joey comme un catalyseur surnaturel pour l’espoir et le salut dans des circonstances difficiles. L’être même du cheval, représentation de tout ce qui est bon dans le monde, apporte la rédemption aux enfants, aux familles, aux soldats et, essentiellement, une guerre. C’est pour cette raison qu’il reçoit le surnom de « cheval miracle ». La transcendance de Joey se réalise surtout dans une séquence de guerre pleine d’humour pendant la seconde moitié du film. Pris dans les barbelés au milieu du champ de bataille, il se bat pour survivre et inspire les soldats des deux régimes à mettre momentanément de côté leurs différends pour le sauver. Le scénario improbable invoque l’humour comme deux ennemis qui, quelques instants auparavant, avaient l’intention de s’entretuer, se livrent à des bavardages sur la ligne de front mais, plus encore, il confirme davantage Joey comme véhicule d’une intervention divine. Cette séquence dépeint la rédemption à un niveau macro, mais les aspects les plus émouvants du film résident peut-être dans les moments plus petits où Joey forme un lien avec différents personnages. Dans ces fils, Spielberg puise le plus directement dans l’expérience humaine. Comme Joey fait ressortir le bon côté d’une foule de personnages mineurs – comme ils le sont par des luttes qui nous sont si familières à tous – l’auditoire est aussi en contact avec eux.
4. Beasts of No Nation
Année : 2015
Directeur : Cary Fukunaga
Une descente déchirante au cœur des ténèbres modernes, Beasts of No Nation canalise l’épopée du Vietnam de Francis Ford Coppola, Apocalypse Now, pour son récit du recrutement d’un enfant dans un bataillon rebelle africain. Adaptant le roman d’Uzodinma Iweala avec une intimité redoutable, l’écrivain et réalisateur Cary Fukunaga dépeint son décor africain non identifié comme un mélange de forêts verdoyantes, de villages déchiquetés par des balles et d’horizons enveloppés par la brume, dont la dernière est due, du moins en partie, aux incendies qui ravagent tout le paysage. Ces conflagrations sont le résultat d’un conflit entre le gouvernement et les forces révolutionnaires, dont les particularités, comme le lieu précis du film, laissent plus ou moins vagues. Le film de Fukunaga s’enfonce ainsi dans une fugue brumeuse et cauchemardesque de violence et de dégradation, le réalisateur présentant un paysage de dépravation et d’amoralité infernales à travers les yeux d’un jeune garçon involontairement emporté dans la folie de son pays. Une saga de l’entrée dans l’âge adulte tordue dans une forme impie, Beasts of No Nation évite les manipulations mélodramatiques indues (et évite de romancer ses perversions) en transformant la maturation d’Agu en un soldat impitoyable.
3. The Hurt Locker
Année : 2008
Directeur : Kathryn Bigelow
Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow était peut-être plus ambitieux dans sa chronique étape par étape des efforts pour trouver et tuer Oussama ben Laden, mais son film précédent sur la guerre contre le terrorisme, The Hurt Locker, demeure la réalisation la plus marquante. Il s’agit essentiellement d’une étude de personnage sous la forme d’un film d’action, avec le sujet de Bigelow, le sergent d’état-major William James (Jeremy Renner), un dissident qui a non seulement un don pour désarmer les bombes, mais qui adore le faire à un degré irréfléchi. Au-delà de son action captivante et de ses décors de suspense, une grande partie du drame du film est alimentée par les tensions que les tendances hot-dogs de James créent entre lui et tous ceux qui l’entourent. Mais la réalisation la plus remarquable du film réside peut-être dans la façon dont Bigelow habite étrangement la perspective de James tout en se tenant à l’extérieur de celle-ci. Lorsque, dans son épilogue silencieux, James se retrouve immédiatement ennuyé par la vie en banlieue et qu’il a envie de retourner sur le théâtre adrénaliné de la guerre, après presque deux heures de tension angoissante, nous ressentons dans le public le même sentiment de stagnation que lui. « La guerre est une drogue, dit le journaliste Chris Hedges dans une citation qui ouvre le film. Dans The Hurt Locker, Bigelow nous fait comprendre cette perspective de la façon la plus viscérale possible, pour un véritable effet révélateur.
2. Platoon
Année : 1986
Directeur : Oliver Stone
Vous pouvez réduire la section en une seule image iconique : Willem Dafoe, les mains et les bras en l’air alors que les soldats vietnamiens l’abattent, ses compagnons d’infanterie étant les seuls à assister à sa sombre et solitaire mort sur le terrain. Fait-il un acte de supplication dans ses derniers instants ? Se soumet-il à la mort ? Ou son geste doit-il être interprété comme une reconnaissance de son impuissance, un tollé de pantomime devant sa trahison et son abandon ? Peu importe le nombre de fois que cette scène se déroule, ses sous-textes restent ouverts à l’interprétation. Ce qui reste le même, c’est notre horreur à la sortie de Dafoe du film, et ce que cela signifie dans le contexte du récit. Platoon, comme tout film de guerre du Vietnam, est d’une brutalité implacable, un spectacle de barbarie implacable qui recrée l’une des plus grandes débâcles martiales, politiques et internationales que l’Amérique ait faite elle-même. Comme tout film de guerre sur le Vietnam, ou n’importe quel film de guerre en général, en fait, il transforme une foule d’atrocités en divertissement tendu, pliant la libération cathartique de voir le méchant obtenir ce qui lui revient dans les détails sanglants de l’intervention des États-Unis au Vietnam.
1. Liste Schindler
Année : 1993
Directeur : Steven Spielberg
Il serait difficile de trouver une histoire plus inspirante et émouvante à raconter que celle d’Oskar Schindler, et ce faisant, Spielberg a produit l’un des films les plus ambitieux, sages et émouvants de notre vie. Le jeu d’acteur est superbe – un rôle qui fait carrière pour Liam Neeson, le gros bûcheron, si insouciant et insolent au début, si préoccupé et déterminé au milieu, et si noble et humble à la fin du film. Ralph Fiennes et Ben Kingsley sont parfaits dans les rôles de soutien. Une foule d’inconnus donnent tout en un instant sur l’écran. La musique envoûtante de John Williams et la stupéfiante cinématographie en noir et blanc de Janusz Kaminski brillent. Mais le scénario – oh, le scénario majestueux de Steven Zaillian – est la plus grande star. Il réussit à transformer un conte de l’Holocauste en une histoire de triomphe, l’histoire de tout ce qu’un homme peut faire, et le regret que nous regretterons un jour que nous n’ayons pas fait beaucoup, beaucoup plus. Le discours d’Oskar « J’aurais pu en dire plus » est presque trop lourd à porter.
Comment trouver ces films dans votre programme TV ?
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